Por Bahía Lancestremère
El diseñador catamarqueño presentó la muestra Territorio Híbrido en el MNAD, donde busca mostrar los valores de la cultura argentina.
El diseñador argentino inauguró la exhibición Territorio Híbrido en el Museo Nacional de Arte Decorativo (MNAD) en Buenos Aires, con la curaduría de Wustavo Quiroga. La muestra, que se puede visitar hasta el 6 de marzo de 2022, es una invitación a recorrer el territorio argentino a través de más de 20 piezas de autor que sintetizan diálogos entre materias primas, maestros artesanos y técnicas ancestrales de distintas provincias del país, con el objetivo de mostrar los valores de la cultura argentina y reflejar a través de cada pieza, una identidad federal. Un viaje hacia adentro de nuestros orígenes, con una visión contemporánea.
Los más de 30.000 kilómetros recorridos por Mohaded a través de Buenos Aires, Catamarca, Santiago del Estero, Santa Fe, Córdoba, Tucuman, Salta y Jujuy, se vislumbran en cada una de las cinco colecciones dispuestas en el Museo: Al ingresar a la primera sala de la muestra, en el Gran Hall del Palacio Erráruziz, se encuentra Campo de Torres, la imponente instalación de cestería en fibra de simbol (planta nativa de los valles Calchaquíes) que propone un acercamiento sensitivo al paisaje de la provincia natal del diseñador, y fue creada junto a Lorenzo Reyes, artesano oriundo de los Valles Calchaquíes, experto en la técnica.
En el Salón Comedor del palacio, se exhibe la colección Especies Híbridas, dispuestas en un living conformado por muebles, luminarias y textiles que el diseñador nombra de estilo art deco criollo, o brutalismo natural. Este estilo, nacional y federal, fue inspirado en el trabajo histórico de Ignacio Pirovano, primer director del MNAD y creador de la firma Comte, especializada en muebles de estilo local. La diferencia, es que Pirovano buscaba identificar cada técnica a su provincia, en cambio Mohaded busca que las mismas dialoguen entre sí, borrando las fronteras del territorio definido y generando esta nueva noción de territorio híbrido, que pondera una identidad nacional plural, abierta y unida.
Luego, continúa el recorrido con El Encuentro, una colección de mates realizada por distintos artistas y diseñadores internacionales, en la que participan los hermanos Campana (Brasil), Pablo Reinoso (Argentina - Francia), Marina Molinelli Wells y Celina Saubidet (Argentina) y Roberto Sironi (Italia), donde la idea es aportar nuevos significantes al mate como elemento fundamental de la cultura sudamericana.
Por último, la obra cierra con el Salón Madame, donde se encuentra lo que Mohaded considera de mayor relevancia. Aquí se expone el trasfondo de este proyecto integral, donde se observan planos, bocetos, muestras materiales y registros documentales que resumen los dos años de trabajo colectivo en el que colaboraron más de 50 personas, 30 artesanos de 8 provincias del país, en la que Mohaded actúo como guía y puente, conformando una colección que sintetiza en cada objeto no solo los distintos paisajes argentinos, sino las historias de las personas que los habitan.
— ¿Por qué Territorio Híbrido? ¿Cómo surgió la muestra, y cuál es el mensaje que quiere transmitir?
- La invitación surge en el año 2019, cuando Martin Marco, director del museo, me propuso armar una exhibición acá. Aún sin una idea definida de lo que podría presentar, lo convoqué a Wustavo Quiroga a ser el curador de la muestra. Juntos comenzamos a pensar sobre cuál sería el concepto. Yo venía con Entrevero, donde ya había comenzado a trabajar sobre esta idea de diseño federal, donde las provincias puedan vincularse entre ellas, donde el concepto de cada una a nivel de artesanía y técnica empiecen a fusionarse. A su vez, tenía en mi cabeza la palabra territorio como un concepto interesante: la palabra territorio marca un lugar, te da contexto, y hablar del territorio argentino era lo fundamental. Después apareció el concepto de híbrido, esta idea de fusionar las técnicas de ese territorio. Creo en la idea de poder mixturar, de poder atravesar el concepto del diseño. El diseño no es solamente generar piezas lindas o que tienen que ver con la decoración, sino que tiene que ver con otros términos relacionados a lo cultural, a lo productivo y lo social. Tiene que ver con el hallazgo, con el trabajo colaborativo. Eso es lo que me gusta y por ahí es por dónde yo creo que tiene que ir encaminado. Así, empezamos a trabajar en ese concepto junto a Wustavo Quiroga, quien empezó a gestionar y armar la estrategia de cruzar lo que estábamos haciendo con una noción histórica del diseño argentino, y ahí aparece Ignacio Pirovano, que fue el primer director del MNAD, con un legado muy grande a nivel cultural en Argentina logrado a través de Comte, una de las empresas mas icónicas del diseño argentino. Empezamos a investigar sobre documentos que él tiene junto a la fundación IDA, donde ellos hablaban de un “estilismo argentino”, de entender a la Argentina en sectores y las capacidades que tiene cada zona de argentina. Eso es algo que yo venía trabajando, pero desde otro lugar. En su caso, ellos lo identificaban por sectores, y a mí me parecía que debía ser una mezcla, una sola unidad. El concepto de entender a la Argentina como una sola unidad y no como una diferenciación, ese es el concepto más importante de esta muestra.
— Has mencionado que buscas “reescribir el diseño argentino” y que a través de tus diseños buscas transmitir los valores de nuestra cultura, ¿qué significa esto?
- Cuando yo planteé reescribir el diseño argentino, en 2020 a través del proyecto Entrevero, quizás haya sonado a algo ambicioso o hasta utópico. Pero cuando digo reescribir no significa borrarlo, sino repensarlo, redefinirlo, volver a tratar de entender cuáles son los potenciales de Argentina como territorio, como cultura, reflexionar qué es lo que estamos mostrando, y creo que a partir de estos proyectos la gente empieza a entender nuestro diseño desde otro lugar. Esta es mi búsqueda personal, de lo que entiendo que debe pasar, y pretendo que en un futuro nuevos diseñadores y nuevas generaciones de diseño empiecen también a pensar el diseño argentino de nuevas maneras. En nuestro trabajo hay una síntesis de un trabajo que involucra a más de 50 personas, 30 artesanos y 8 provincias. Y el concepto y lo simbólico de lo que esto significa como valor cultural me parece lo más importante a destacar, que se puede ver sobre todo en la última sala, donde se muestra el detrás de escena y el proceso de cómo todo esto se realizó a lo largo de 2 años.
— Y esto también involucra los valores de las personas que conociste en los más de 30.000 kilómetros que recorriste, ¿cierto? Porque detrás de cada obra hay, además de un paisaje local, una persona que vive la técnica...
- Exactamente. Son historias de vida. Son historias de personas que tienen proyectos de vida a partir de eso. Y eso es lo que muchas veces se pierde, creo que todavía no entendemos lo que significa eso, y es lo que trato de contar. Yo tengo la formación de diseñador industrial, pero más allá del título, siento la responsabilidad de generar nuevos conceptos a nivel cultural, y que trasciendan la idea del diseño, que rompan la barrera. Siempre digo que no soy diseñador industrial, sino que soy diseñador y es suficiente con eso. La profesión me dio herramientas, y yo hoy las tengo que usar para contar lo que siento y percibo, que puede ser errado o no pero es una cuestión mía, personal que yo hoy siento que tiene que pasar.
— Hablas del diseño como una postura política, como algo que debería atravesarnos como sociedad. Dijiste que las personas no deberían ver esto solo como una muestra de diseño, sino como una muestra que busca manifestar cierta postura, que busca cambiar las cosas como sociedad.
- Si, yo soy muy critico con lo que se esta haciendo en el diseño argentino. Creo que el diseño es un acto político. Las acciones que vos generas tienen que ver con una postura política y cultural. Al diseño en nuestro país nunca se le dio la oportunidad de desarrollarse plenamente. Salvo en los inicios con empresas muy grandes como Comte, de Ignacio Pirovano. Pero a nivel de gestión todavía creo que se habla más de lo que se hace. No se termina de entender al diseño como un gestor cultural, como un gestor productivo. Esto sí lo ha hecho Francia, Italia, con resultados muy positivos para sus países. Acá no se da eso, no hay estrategias firmes de diseño. El diseño tendría que estar en todos lados, en el día a día. No son solo productos, es una estrategia económica, es trabajo, es cultura, es todo.
— Hace poco participaste en la Bienal de Londres 2021, con tu obra Monte Abierto, donde el tópico era la Resonancia, y cómo a través del diseño se puede tener un mejor impacto en el mundo. ¿Podes contarnos sobre esto?
- La resonancia tiene que ver con que lo que uno hace termina afectando al entorno. Y todo lo que hace un diseñador tiene su resonancia, la resonancia es eso, lo que irradia, lo que resuena. Cortaste un árbol para hacer algo y saber cuáles son las consecuencias de eso, tiene que ver con ser consciente con lo que hacemos. Creo que es parte de las nuevas generaciones repensar el diseño, qué tipo de materiales estamos usando, quién los hace, cómo se hace, y también pensar nuestras formas de consumo. En la bienal, fui convocado a participar representando a Argentina en el pabellón argentino. El leit motiv era en relación a la resonancia como concepto. Cada país presentaba un proyecto donde se verifique esa resonancia, y yo presenté Monte Abierto, una instalación creada a partir del trabajo que hago con Lorenzo Reyes, un artesano de Catamarca que trabaja con la fibra de Simbol, con la idea de representar la relación que tiene el diseño y la artesanía en la contemporaneidad.
— Qué pensás del futuro del diseño latinoamericano?
- El diseño latinoamericano tiene la posibilidad de ser hoy el diseño del futuro. Es un mercado que está listo para contar nuevas historias. Porque tiene las herramientas, porque no está contaminado todavía. Tiene mucho para contar que aún no está contado. Brasil lo ha hecho hace décadas, tiene grandes representantes que han sido muy importantes en el mundo del diseño a nivel global. Yo no sé si ha pasado eso con el diseño argentino aún, o si pasó no sé si está muy endeble, o si tuvo la fuerza.
— ¿Qué te impulsa a realizar todo esto?
- La pasión es lo que me mueve. Soy muy inquieto, curioso, observador, estoy tratando de dar siempre un revés a lo que encuentro. Mi rol acá es ser un puente entre los artesanos, aportando mi visión creativa, pero yo no creé nada de lo que está acá. Esto es lo que veo todos los días, y el que viaje a cualquier pueblo de Argentina lo va a encontrar. Sí puedo decir que mi papel tiene que ver con interpretarlo, darle nuevos significados a eso que sucede, siempre desde un lugar de respeto y consciencia. Pero en definitiva, esto viene de las manos de la gente de nuestro país, artesanos que cuentan historias.
